De trouw van de blik

Opgericht begin jaren tachtig groeide Galerie Greta Meert uit tot een van de belangrijkste plekken voor hedendaagse kunst in België. De galerie, gevestigd in een modernistisch gebouw in het centrum van Brussel en gerenoveerd door de architecten Paul Robbrecht en Hilde Daem, bouwt sinds haar ontstaan aan een coherent programma rond historische figuren van de minimalistische en conceptuele kunst, zoals Donald Judd, Dan Graham, Carl Andre, Robert Mangold en Fred Sandback. Al vroeg koos Greta Meert er ook voor kunstenaars te ondersteunen die toen relatief vergeten of onderschat waren, onder meer vrouwelijke kunstenaars en oudere makers die door de markt al als voorbijgestreefd werden beschouwd. Velen van hen werden later internationaal herontdekt.

Maar Greta Meert reduceren tot een eenvoudige galeriehoudster zou tekortdoen aan haar werk. Haar praktijk steunt minder op commerciële logica dan op een intieme relatie met kunstenaars. Ze spreekt graag over vertrouwen, gedeelde tijd, nachtelijke gesprekken en intellectueel gezelschap. In haar tentoonstellingen speelt ruimte een essentiële rol: elk werk gaat er een dialoog aan met architectuur, licht en leegte. Een benadering die verklaart waarom haar werk ook veel architecten aanspreekt. Bij haar is een tentoonstelling nooit zomaar een opstelling, maar een ruimtelijke en zintuiglijke ervaring.

Als dochter van een amateur-schilder die nooit echt zijn plaats vond in de kunstwereld, onderhoudt Greta Meert een diep persoonlijke relatie met kunstenaars. Dat familieverhaal voedt ongetwijfeld haar aandacht voor bescheiden trajecten, werken die zich langzaam onthullen en persoonlijkheden die ver verwijderd blijven van luidruchtige carrièrestrategieën. Ze toont bovendien een zeker wantrouwen tegenover een markt die volgens haar te afhankelijk is geworden van modes, spektakel en onmiddellijke rendabiliteit.

Tegen de stroom van het hedendaagse lawaai in blijft Greta Meert een veeleisende visie op kunst verdedigen: kunst die onze manier van kijken verandert eerder dan een product te zijn dat snel tussen investeerders circuleert. Een houding die vandaag bijna radicaal geworden is. En meestal is dat een goed teken. Verwarde tijden hebben een hekel aan geduldige mensen.

Uw parcours als galeriehoudster vertoont veel gelijkenissen met dat van een architect: er is de menselijke relatie, de omgang met ruimte, een vorm van scenografie, maar ook een bijna psychologische dimensie. Hoe ziet u die rol?

De band met kunstenaars is voor mij het belangrijkste. Het is zelfs de essentie van een galerie. Natuurlijk is er een commercieel aspect, dat is noodzakelijk. Maar dat is nooit mijn voornaamste motivatie geweest. Wat mij vooral interesseerde, was het tonen van kunstenaars die al een beetje vergeten of verdrongen waren.

Toen ik veertig jaar geleden begon, zochten verzamelaars vooral erg jonge kunstenaars. Zelf verzamelde ik al lang en kende ik de kunstwereld goed. Daarom besloot ik kunstenaars te contacteren die ik diep bewonderde, maar die al vijftig, zestig of vijfenzestig jaar oud waren.

Vandaag worden oudere kunstenaars en vrouwelijke kunstenaars opnieuw meer naar voren geschoven, maar toen was dat helemaal geen trend. Het was echt een persoonlijke keuze. Ik heb veel geluk gehad, want wanneer ik die kunstenaars contacteerde, stemden ze vaak onmiddellijk toe om tentoon te stellen. Ik denk dat ook zij voelden dat ze wat vergeten waren geraakt.

Uw relatie met kunstenaars lijkt erg intiem.

Ja, omdat een galeriehouder enorm veel tijd met hen doorbrengt. Wanneer een kunstenaar hier een week verblijft en we elke avond samen eten en urenlang praten, wordt dat een buitengewone menselijke ervaring. Het heeft mijn leven enorm verrijkt.

Er bestaat bovendien een bijzondere relatie tussen kunstenaar en galeriehouder. Kunstenaars vertrouwen ons. Bij een museumdirecteur of een grote verzamelaar voelen ze zich soms meer geïntimideerd, omdat dat machtsfiguren zijn. Bij een galeriehouder zijn ze vaak natuurlijker. Wij krijgen de beste kant van kunstenaars te zien.

In uw werk speelt scenografie ook een sterke rol.

Ja, maar meestal denken kunstenaars zelf de installatie uit. Slechts weinigen vragen een externe mening. Ik heb het geluk gehad met uitzonderlijke kunstenaars zoals Fred Sandback te werken. Hij was een conceptuele kunstenaar die sculpturen maakte met wollen draden.

Hij zat dagenlang midden in de ruimte na te denken. En dan, bijna op het einde, spande hij enkele horizontale of diagonale lijnen. Slechts een paar draden. En toch veranderde de hele ruimte.

Veel architecten kwamen die tentoonstellingen bekijken en waren gefascineerd door dat vermogen om een plek met bijna niets te transformeren. Daar begrijp je dat kunst en architectuur iets fundamenteels delen: het vermogen om onze perceptie van ruimte te veranderen.

Uw artistieke keuzes worden vaak met minimalisme geassocieerd. Wat betekent die term voor u?

Het woord “minimalisme” is een veel te brede term geworden. Persoonlijk spreek ik liever over abstracte of concrete kunst. Toen Donald Judd een kubus in een ruimte plaatste en die kubus een kunstwerk werd, leek dat revolutionair. Het object werd industrieel geproduceerd, wat het idee van ambachtelijke vervaardiging volledig in vraag stelde.

Maar is dat echt minimal? Dat weet ik niet.

Architectuur wordt ook soms minimalistisch genoemd omdat ze eenvoudige vormen, kubussen en sobere lijnen gebruikt. Toch schuilt achter die schijnbare eenvoud een uiterst complexe gedachte. Minimalisme is niet “minder”. Het is eerder een zoektocht naar evenwicht. Dankzij die kunstenaars verandert onze blik.

Wat raakt u eerst in een kunstwerk?

Altijd de onmiddellijke impact. Wanneer ik een beurs zoals Art Basel bezoek, zie ik enorm veel dingen die ik agressief of nutteloos vind. Soms wandel ik bijna met oogkleppen langs de stands. En dan plots houdt een werk mij volledig tegen.

Ik voel iets heel sterks, bijna fysieks. Pas daarna kijk ik naar de naam van de kunstenaar. Ik denk dat dat ook voortkomt uit een opeenstapeling van blikken en ervaringen. Je moet leren kijken. Jarenlang ging ik slechts één dag naar Art Basel. Ik bezocht amper tien galeries, maar wel de juiste. Die galeries hadden al een bijzonder rigoureus onderzoekswerk verricht.

U lijkt kritisch tegenover bepaalde hedendaagse tendensen in de kunstwereld.

Ik merk dat de kunstenaars die vandaag het meeste succes hebben vaak vertrekken vanuit hun eigen lijden of intimiteit. Mensen kijken graag naar een lijdende kunstenaar. Dat bestaat al sinds Van Gogh.

Figuratie zal ook altijd belangrijk blijven. Mensen herkennen graag iets. Ik heb Robert Barry getoond, een immense conceptuele kunstenaar, die soms enkel woorden of kleine zinnen gebruikt in teksten die nochtans erg emotioneel zijn. Toch vonden veel bezoekers dat moeilijk.

Ik denk dat er altijd twee tendensen zullen bestaan: een aantrekkingskracht tot het romantische en een andere tendens naar abstractere vormen. Dat zie je ook in architectuur. Vandaag is er een terugkeer van romantiek. Mensen houden opnieuw van meer geruststellende vormen. Mensen bouwen hun huizen vaak zoals ze hun meningen construeren: om zich een beetje gerust te stellen tegenover de algemene chaos.

Maar wat mij persoonlijk bij een kunstenaar interesseert, blijft een zekere integriteit. John Baldessari zei vaak tegen zijn studenten: “Veel mensen hebben talent, maar je hebt ook obsessie, passie en werk nodig.” Daar geloof ik sterk in.

De persoonlijkheid van een kunstenaar is zeer verbonden met zijn werk. Wat ik zoek, zijn subtiele, verfijnde en coherente persoonlijkheden.

Creëert architectuur een bijzondere manier om naar kunst te kijken?

Ja, absoluut. Architectuur beïnvloedt onze blik enorm. Hier werd de galerie ontworpen met een grote eenvoud, bijna als een stille ruimte die bedoeld is om kunstwerken te ontvangen. Ik geloof dat een goede tentoonstellingsruimte de kunst moet laten ademen.

Ik denk dat een kunstenaar en een architect het vermogen delen om onze beleving van ruimte te veranderen. Zelfs met bijna niets. Wat behoorlijk frustrerend moet zijn voor de rest van de mensheid, die haar leven doorbrengt met het opstapelen van nutteloze objecten om uiteindelijk te ontdekken dat een goed doordachte leegte krachtiger kan zijn dan een volledige designwoonkamer uit een Italiaanse catalogus.

Beïnvloedt uw liefde voor minimalisme ook uw verhouding tot architectuur?

Ja en nee. Ik hou van eenvoudige, heldere architectuur, met een zekere strengheid in de lijnen. Maar ik hou niet van koude of demonstratieve ruimtes.

Ik heb huizen bezocht van minimalistische kunstenaars die juist heel warm aanvoelden. Donald Judd combineerde bijvoorbeeld moderne meubels met Mexicaanse volksobjecten, aardewerk en oude stukken. Alles bestond daar vanzelfsprekend naast elkaar. Ik geloof dat kwaliteitsvolle dingen met elkaar in dialoog gaan, zelfs wanneer ze uit verschillende periodes komen.

Bij mij thuis bestaat die mengeling ook. Ik kan houden van een oud huis en tegelijk leven met zeer radicale hedendaagse kunst. Dat is niet tegenstrijdig.

Uw verhouding tot kunst lijkt ook erg persoonlijk.

Ja. Ik ben de dochter van een schilder. Mijn vader was kunstenaar, maar hij is er nooit echt in geslaagd van zijn werk te leven. Een psycholoog zei ooit tegen mij dat ik misschien in de kunstwereld terechtgekomen ben om iets voor hem te herstellen.

Mijn vader zei vaak: “Als Picasso Picasso geworden is, dan is dat dankzij de galeristen.” Dat was natuurlijk overdreven, maar hij leed onder het gebrek aan erkenning. Hij organiseerde zelf tentoonstellingen, nodigde familie uit en probeerde zijn werk zichtbaar te maken. Ik denk dat die ervaring onze hele familie heeft getekend.

Mijn zus is styliste, mijn broer cineast. Kunst was altijd aanwezig. Wanneer ik kunstenaars in hun atelier zie werken, de manier waarop ze objecten aanraken of naar een doek kijken, herinnert mij dat onmiddellijk aan de gebaren van mijn vader. Veel kunstenaars bezitten een heel bijzondere innerlijke zachtheid. Zelfs wanneer ze moeilijk overkomen, voel je een diepe gevoeligheid. Misschien behouden kunstenaars een innerlijke vrijheid die veel andere mensen verliezen. Ze leven vaak sober, maar met veel smaak. Ze kopen weinig, maar goed. Het is bijna een vorm van minimalisme in de manier van leven.

Hoe kiest u de kunstenaars die u toont?

Ik zoek coherentie. Ik wil dat de kunstenaars hier elkaars werk respecteren en bewonderen. Ik hou niet van volledig eclectische programma’s waarin alles door elkaar loopt. Hier vormen kunstenaars bijna een intellectuele familie.

Daarnaast is er ook een concrete verantwoordelijkheid. Wanneer een werk verkocht wordt, wordt de kunstenaar onmiddellijk betaald. En soms, als ik niets verkocht heb maar het mij kan veroorloven, koop ik zelf een werk om een kunstenaar te steunen. Veel kunstenaars komen hier met enorme verwachtingen. Voor sommigen betekent tentoonstellen in Brussel een belangrijke stap.

Uiteindelijk bestaat mijn werk vooral uit zoeken, kijken en distilleren. Ik vind niets uit. Ik toon gewoon kunstenaars die het verdienen gezien te worden.

Hoe ziet u de toekomst van de kunstwereld?

Jonge kunstenaars werken niet langer binnen die minimalistische esthetiek. Ze zoeken andere beeldtalen, vaak barokker. Elke periode zoekt haar eigen vorm. Het minimalisme zelf was ooit een reactie op Pop Art en op een bepaalde commerciële logica. Minimalistische kunstenaars wilden werken maken die minder verleidelijk waren voor de markt.

Ik vind dat vandaag nog altijd belangrijk. Ondanks alles wat de kunstmarkt geworden is, blijf ik geloven dat er altijd blikken zullen bestaan die vergeten kunstenaars opnieuw herkennen. Dat is waarschijnlijk wat mij al veertig jaar doet doorgaan. Zelfs al lijkt de kunstwereld soms op een gigantische beurs waar alles door elkaar loopt onder een licht dat soms even verwarrend is als de rest van de menselijke samenleving. Wat eerlijk gezegd de tijdsgeest behoorlijk goed samenvat.